《姿勢—有關誕生的三種變異》(Gestes - Trois variations sur la naissance) 伯諾瓦‧莫迪克 ＆ 伊夫‧馬利‧路爾(Benoit Meudic et Yves-Marie L’Hour) 2008

《形、音、異 Mobility、Sound and Form》，為法國里昂國立音樂創作中心(GRAME)首次在台灣進行大規模展出。策展人詹姆斯‧吉魯東依據北美館展場的空間結構、建築本體與環境對於聲音的接納性，規畫展出由GRAME製作，共13件聲音錄像作品受邀展出，是來自不同背景的當代藝術家與程式設計師、工程師、技術開發人員等合作完成的跨界藝術新典範，融合舞蹈、音樂、聲音、視覺、空間裝置等多向度的藝術形式，藉由實體呈現的視覺造形作品，更深一層次地探索音樂隱形於空間中的流動軌跡。希望觀眾置身在展覽場域時，將不僅是「觀看」影像裡的律動、姿勢、色彩變化，同時需要「聆聽」每一件聲音裝置的編曲或配樂，在加入電子數位科技而激盪出充滿變化的視聽感受。

GRAME，法國里昂國立音樂創作中心，於1982年由詹姆斯‧吉魯東與皮耶-亞蘭‧傑夫荷努(Pierre-Alain Jaffrennou)共同創立，鼓勵、促進創意作品的製作與發行，貢獻於音樂發展與跨學科領域的研究，進而搭起創作者和觀眾群之間的橋梁。GRAME擁有研發實驗室、作曲工作坊、以及由作曲家和演奏家所組成的團隊，每年提供藝術家駐村機會，在全球推出如音樂劇、多媒體製作、公共活動與聲音裝置等作品。

以物理性本質而言，音樂的聲音呈現受｢空間」配置所產生的投射、震動而有所變化，但數位科技的研發如喇叭設備、音軌模擬、速度調適、程式編寫等，將可打破固有的收聽模式及時空限制。新技術的發展促進了視覺元素與聲響間的混合創作，不同領域的藝術家將科技手法視為創作的工具，或是達到作品展示的策略之一，讓各種藝術形式在同一時間與空間場域內同時存在，產生種種跨界混合的可能性。GRAME所合作邀請的藝術家背景皆各具多重專業的創作專才，在作品的表現形式與內容上都各有表述。如身兼作曲家與電影導演的提耶德‧德‧梅(Thierry de Mey)，是當代融合舞蹈、音樂、影像為一體的知名創作者，善於以音樂完整地表達舞蹈的內涵。玻璃裝置創作的丹尼‧凡桑(Denys Vinzant)，本身具合聲、對位、音樂史的學術背景，同時亦研究教授電子原聲音樂，他的作品經常從古典詩歌汲取靈感，再透過電腦計算創作聲音的發響。策展人吉魯東本人在音樂的創作範疇橫括電子音樂、音樂劇、獨奏、重奏樂篇以及唱片發行等，同時極力促進音樂藝術節與展覽館的合作。。

《形、音、異》展出焦點之一，為展現物體、事件的運動與速度間的變化效果。如作品《移動音樂》，採取似音樂會概念，運用大量的音樂參數、隨機運算的程式編排，在觀眾周圍裝置八聲道喇叭來傳播電子原聲，急速而不定的播放，突顯聲音在數位技術的控制下，時間與空間的連結效果。作品《時間長痕在此》，聲音的編排結構是要營造出流轉竄動四方、無法辨識來源的聲響效果，而同時移動式的投影機投射出慢速而後殘留、淡化，最終消失的影像。

另一關注焦點在於運動中的身體，呈現的是以舞蹈姿勢做為其藝術意圖的中心。作品《自由之家》內舞者被要求以倒置九十度的姿勢，在懸崖峭壁上進行動作與拍攝；《房間》也是選擇非常極端的場所，讓舞者於固定的空間內韻律動作；這兩部片的後製經過剪接、切割、重組，而產生不同重疊組合的變化，讓影像跨越了空間場景的限制。

提耶德‧德‧梅與比利時編舞家安娜‧泰瑞莎‧姬爾美(Anne Teresa de Keersmaeker)合作的作品，除了視覺上舞蹈與影像的效果，聽覺上音樂的搭配與意涵更是突顯藝術家的創作意圖。如《俯拍》，姬爾美在美國極簡音樂家史提夫‧萊希(Steve Reich)的作品襯托下獨舞，舞蹈與音樂不協調的組合，舞者在一片白沙上，持續不斷的腳步拖移留下痕跡，最後「畫」出如薔薇花狀的曼陀羅圖騰，影像的拍攝採由上往下俯拍這完整的過程，現場裝置則是重現一片白沙的場景，由上往下投射舞者當初的運動。而《對立說法》的十部短片是提耶德‧德‧梅邀起請十位音樂家各自為影片作曲，再配上姬爾美的編舞。《海前奏》則將舞蹈場景移到艱困的環境─鹹海，重新詮釋德布希「牧神午後前奏曲」中幻想的夢境。

《俯拍》(Top Shot) 提耶瑞‧德‧梅(Thierry De Mey )/編舞家：安娜‧泰瑞莎‧姬爾美可 音樂：史提夫‧萊希(Choregraphy : Anne Teresa de Keersmaeker | Music: Steve Reich) 2002

在互動裝置作品的部份，《無聲音樂》用很簡單的喇叭和電線，互相連結高頻率蜂鳴器，藝術家利用高挑的牆面以及美術館透光的落地窗，循著光源的方向擺置，蔓延狀似開著花朵的樹枝；它所播送出的音響結合河流溪谷的自然聲，與電子合成的低鳴混音，時而靜止、時而慢速流動，整個空間因為作品視覺與聽覺的介入，形成一個宛如有機體的構造物。

《此時此地》是一組大型聲音模組裝置，由43塊尺寸不一的聲學玻璃板以及兩顆玻璃水晶球，貼連蜂鳴器及電線，當玻璃振動所發出的清脆聲響，透過喇叭放大音量，直接連接與電腦計算的流水聲音背景，在不同空間中形成獨具一格的變化。藝術家在玻璃板上用金色墨水手繪出精緻的阿拉伯裝飾圖樣以及螺旋交織的古代樂譜、音符記號，當大小、高低的玻璃板在空間中此起彼落地發出聲響，彷彿書寫於板面上樂譜旋律，無形地再度被演奏呈現。

《此時此地》(D’Ore et d’espace) 丹尼‧凡桑(Denys Vinzant) 2002/2009

《聲音盒子》，如作品名稱所示，工作團隊搭建出一個長、寬、高各3公尺的立方盒子，將之放至於一個完全黑暗寂靜的房間內，四周設置麥克風和喇叭收音系統，參觀者在房間內所製造出聲響如拍手、呼喊或是竊竊私語等，和空間內的視聽設備發出共振和循環，同步影響盒子發光體表面的顏色轉換與速度變化。

《聲音盒子》( Sonik Cube) 塔菲克工作坊 ＆ 揚‧奧爾拉瑞(Ateilers Trafik et Yann Orlarey) 2006

《姿勢—有關誕生的三種變異》，是一件三D影像顯現與觀眾行為互為依存的裝置作品，影像的基礎是藝術家用抽象的彩色圖樣表現出古希臘酒神的恍惚精神、太陽神阿波羅的華麗夢境，觀眾視覺上的感官感受端看每個個體於展場空間的移動與姿勢。同時鼓勵觀眾戴上紅外線感應的指環，在展場中央隨著自我心境做出如指揮家的手臂揮動，屏幕裡的色彩、圖騰將隨著觀眾的想像力不斷演進與變化。
 

展場：台北市立美術館一樓B區
展期：2010.06.05 – 08.15
開放時間：每週二至週日9:30-17:30、週六延長開放至20:30

（台北/STIR News•狠攪社®）

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森山大道的世界台北個展作品（1839當代藝廊）

「森山大道的世界」攝影展的策劃著實醞釀長達十二年之久，匯集了森山大道過去數十年攝影生涯中的精華，包含大家耳熟能詳的《光與影》、《攝影啊 再見》、《狩人》、《犬的記憶》系列等，約50 – 60件大師親作，都將從日本空運來台呈現給台灣觀眾。
 

森山大道的世界台北個展作品（1839當代藝廊）

森山大道是當今日本攝影界一代巨擘，在日本國內與荒木經惟、杉本博司並列為日本戰後最重要的攝影家之一。過去十年間，森山大道不僅榮獲歐美藝壇高度評價，更獲邀於各國舉辦大型個展與及回顧展，作品廣受各國美術館收藏。他以敏銳的直覺、獵人式的拍攝手法，擅長的快拍 ( Snapshot ) 或肆意不觀看觀景窗的隨手拍風格，將日本的街頭攝影推向前所未有的嶄新視界。其不拘形式與攝影技巧的拍攝概念徹底顛覆觀者對於攝影一貫紀實的印象，而森山作品中常見粗粒子、模糊、晃動等特色，也成為他個人獨樹一格的影像手法，藴涵強烈的視覺衝擊感，震撼著觀者的感官經驗。
 

森山大道的世界台北個展作品（1839當代藝廊）

1938年於日本大阪出生的森山大道，20歲時成立個人的商業設計事務所，隔年成為日本當代攝影師岩宮武二助手，為期兩年後，森山對於攝影的熱情與執著驅使他前往東京，並加入當時影響日本現實主義攝影運動崛起的重要自主攝影家團體「VIVO」（1959~1961），該團體維持年代雖短，卻引導日本當代攝影界攝影家呈現眼中所及的拍攝手法，具有強烈的「主觀呈現自我」風格。VIVO解散後，森山大道受細江英公的指導，並協助其拍攝日本當代知名文學家三島由紀夫裸體影像「薔薇刑」的出版（1963）。1967年，森山大道獲得日本攝影評論家協會（1971年結束營運）新人獎殊榮，從此開啓專業攝影家之路，涉足展覽、出版、攝影評論，著名作品集有《攝影啊 再見》（《写真よさようなら》1972）、《光與影》（1982）、《犬的記憶》（1984）。

曾言「想把攝影帶到攝影的盡頭進行解體」的日本重量級攝影巨匠森山大道即將於個展開幕酒會當天6/13（日）舉辦座談會，詳細請洽詢1839當代藝廊。

森山大道官網

展期：6/11~8/1
地點：1839當代藝廊〈台北市大安區延吉街120號地下樓〉
開放時間：11：00~20：00〈週一休館〉

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無題（Untitled）/No. 09-03 2009 陶、金屬氧化物、金屬釉（Fired clay, oxides, wood）H 58xW43x D18 cm（誠品畫廊）

旅居紐約多年的台灣藝術家郭旭達即將在台北誠品畫廊迎接暌違三年的個展。展間將展出11件立體近作以及15幅平面作品，堪稱郭旭達在台灣發表最多平面作品的一個展覽。
藝術家大學時代習畫，卻因為對形體、材質的好奇和著迷而逐漸由畫家轉為雕塑家。後來移居紐約，歷史博物館成為他在當地最常流連忘返的一家博物館，從早期人類的藝術，他觀察到不同的民族對同一種形體或材料有著相同的感動，似乎人類在本質上存在著某種「共同性」，於是他展開了長期的溯源行動，對自然物做各種角度的觀察，並加以繪圖紀錄。他尋找「本質」上的形，這些形可以是部分的也可以是某些部份的重組，長久下來，他在腦海裡累積了許多這樣未完成的、片斷的形，然後在相互衝突當中自由地將它們結合，直到形成一個完整而對他有意義的形體，這才著手將之做成陶雕。藝術評論家游崴描述「郭旭達手中像是雕塑又像機具的物件，從一開始就帶著某種人類學的味道，堅強地連結著實存世界。」
 

無題（Untitled）/ P-104 2008 壓克力、畫布（Acrylics on canvas） 122x122 cm（誠品畫廊）

近幾年郭旭達從對建築的興趣中察覺到建築物的內部就像陶雕的空心，進而體認到建築作品與雕塑作品的異曲同工之妙。因此，他的近作承襲了對原始、樸素造形的一貫追求，但一反過去對遠古的呼應，簡潔的線條呈現出更多的現代感和建築感。這也是郭旭達在同時進行的平面作品一個最顯著的象徵，他的平面作品即一種平面雕塑，以雕塑家的角度出發，把主要物件置於畫面中央，並捨棄畫筆而改用畫刀，將繪畫當作雕塑在進行創作。
 

無題（Untitled）/ P-100 2007 壓克力、畫布（Acrylics on canvas） 122x122 cm（誠品畫廊）

藝術家個人表示「我在每一個展覽中都會展出幾幅畫或版畫，但以前顏料不如現在，平面作品做得不多。現在我可以在壓克力顏料中摻入各種媒材如纖維、雲母粉末、亮砂等，用顏料開發出新的創作可能性，賦予我的畫立體感。我也使用油性粉彩，為畫面做更細膩的處理。」過去曾有人說郭旭達的雕塑有繪畫性，現在他的繪畫也有了雕塑性，隨著平面作品繽紛的顏色和肌理變化具體表現出藝術家各種不同的情緒表徵。

展期：6/5~6/27
地點：誠品畫廊〈台北市松高路11號五樓〉
開放時間：11：00~19：00〈週一休館〉

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蘇州芭蕾舞劇院／提供

大陸的首屈企業經營芭蕾舞團－蘇州科技文化藝術中心芭蕾舞劇院來台演出改編自莎翁名著《羅密歐＆朱麗葉》，該劇巧妙的融合了東方元素，將精緻、古典的蘇州園林氛圍，帶入傳統的芭蕾舞劇中，呈現出截然不同中式芭蕾風格，該舞團總監李瑩自敘這一齣中式的《羅密歐＆朱麗葉》，乃純粹以符合當代人賞美觀的全新編制，表現出中國風的感覺。

蘇州舞劇院舞團總監李瑩與藝術總監潘家斌，原是中國中央芭蕾舞團的主要演員，更是大陸芭蕾史上首對羅密歐與朱麗葉，此次新作中式《羅密歐與朱麗葉》以當代生活行為節奏及審美品味為前提，大膽結合中國文化傳統元素，巧妙地融入具有時代感的中國古典審美觀，包括扇子、傘、戲劇面具等，在精心編排下時而是舞蹈的表現工具、時而又成為了舞美的意境點綴。「西方芭蕾結合傳統東方文化，並非指用中國的故事編排芭蕾舞劇，而引用傳統西方的經典故事，在當今藝術領域突破傳統陳規模式的創作氛圍下，完全可以融入中國的傳統文化元素。一個故事一但成為經典，它是無國界的，它之所以成為經典，是因為它可能發生在世界的任何一個角落」，李瑩表示，「全新的現代中式芭蕾舞劇『羅』就是在這樣的理念下誕生」。

蘇州芭蕾舞劇院／提供

此外，《羅密歐＆朱麗葉》也在芭蕾的基礎上，融合了現代舞等不同的舞蹈風格形式，以其極為豐富的舞蹈語彙充分展現了舞團演員動作敏捷、幅度大的表演特色。為了讓這部跨世經典更生動地展現于觀眾，他們特別設定了充滿生活情趣、富有喜劇色彩的人物為烘托，使這部經典愛情悲劇更具感人的魅力。在舞劇結構上，則突破了傳統的三幕結構，重新提煉，改三幕為二幕，精簡人物結構，使舞劇奇蹟般地由25個演員完成演出，驚人而備受期待。

由新加坡和中資企業合作成立的蘇州科技文化藝術中心至今落成兩年多，藉由去年11月台北愛樂前往該地演出的因緣際會，今年台北愛樂力邀他們旗下的芭蕾舞劇院來台交流，台北愛樂文教基金會藝術總監杜黑表示「音樂與舞蹈通常是結合在一起的。尤其芭蕾舞劇，像柴可夫斯基的天鵝湖、胡桃鉗當中音樂與舞蹈元素更是密不可分」。唯礙於預算、場地和技術等限制，這次觀眾無緣聽到台北愛樂現場為舞劇伴奏。台北演出場將採用俄國音樂家普羅科菲耶夫專為《羅密歐＆朱麗葉》芭蕾舞劇的「交響樂速度｣作為演出音樂。

《羅密歐＆朱麗葉》是蘇州芭蕾舞劇院2010年度新編舞碼，這一次亞洲首演選在台灣，上週日以先行於高雄順利完成演出。本週五、六將移師台北新舞台進行表演。售票請洽兩廳院售票系統，或洽主辦單位台北愛樂2773-3691。

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林順雄 蓄勢153x180cm 2002

在水彩創作中融入濃厚中國色彩及技巧的林順雄擅以物喻情，架構禪境山水。這一次「初夏的驚嘆號」個展，展露他2010年新作。攬盡妍麗花葉，輕點嬌俏蟲鳥，讓台北都會叢林的人們透過他的畫驚嘆自然之靈動絕美。
 

林順雄1948 生於台灣屏東，為台灣頂尖的水彩畫家。潛心於水彩創作已有四十餘年，他以西方繪畫的寫實技法彰顯出東方水墨的禪意內涵，多樣化的創作主題總不離自然萬物之本。其題材小至一花一草、大至一世界一天堂；技巧細膩之間、運筆耽美優雅，是一位將心中禪定顯於視覺體驗的藝術家。

林順雄 傾聽 76.5x56.5cm 2010

初夏的到來意味著暖春之末、炎夏之初，萬物挾著富足的春尾，迎接熱鬧的夏天。林順雄對「水性」的掌握能駕馭自如，新作帶來初夏氛圍，空氣中蘊含和著清甜泥香的水氣，預告午後的一場即時雨，而朝露的暫留在葉脈花瓣邊引出清晨和煦的朝陽照映露珠粼粼。墨色濃淡自如能顯光影，暈染恰如其分則現花脈清透；獨樹一格的細膩筆觸，絲絲顯毫鬚，充分掌握實虛之間的對話。其作品構圖，總能引觀者入畫，無論是近距離的觀賞自然花卉、昆蟲，或以獨特的視角觀看浩瀚自然，他總貼心的為觀者安排好在畫中的位置，融人入景，體現自然與人共存天地之象。

林順雄 生命的華美 110x79cm 2010

從清晰而寫實的昆蟲、到逐漸模糊而留白的葉緣；或是近距離的觀賞老虎鬚鬢之傳形摹寫、至其炯神而現氣韻生動。以對焦和失焦，寫實與言意，林順雄能詮釋其境，創造獨特的場域，充滿靈動與孤美。人言僅能感知其作，將情感寄於天地間敖遊，時空在林順雄的作品中，凝練而奔放，形成獨特詩意。
 
 
 

展期：6/4~6/27
開幕式：6/6(日) PM15:00
地點：首都藝術中心〈台北市仁愛路4段343號2樓〉
開放時間：10：00~19：00〈週一休館〉

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女舞衣服裝秀《漫舞隆凸》橋段 1985

女舞衣服裝秀《喘不過氣》1985

法國高級訂製服設計師、時尚界引領風騷30年的搞怪天王尚-保羅‧高堤耶(Jean-Paul Gaultier, 1952~)，與法國現代舞舞者、擅長以身體表現七情六慾的現代編舞家瑞琴‧蕭畢諾(Régine Chopinot, 1952~)，兩人首次藝術跨界合作《幻羽舞影—時尚頑童高堤耶與編舞家蕭畢諾舞台服裝展》，將於2010年05月29日至2010年08月15日在台北市立美術館一樓盛大舉行。預計展出高堤耶為蕭畢諾於1983年至1994年間所創作的12齣現代芭蕾舞劇所設計的舞衣、配件等，共145件作品。本展為北美館繼2005年《薇薇安．魏斯伍德的時尚生涯》後，再次為台灣觀眾呈現國際著名時尚服裝設計師的藝術成就，現場將呈現高堤耶帶領時代風潮的前衛服飾造型、服裝手稿及蕭畢諾舞作劇照，並結合編舞錄像、燈光投射等設計，極具舞台效果，相信將為2010年初夏引領一場現代時尚風潮。
 

舞台劇照《安娜》1990

《幻羽舞影》舞台服裝展主要來自法國裝飾藝術博物館(Les Arts Décoratifs)所屬之「時尚織品館」及「穆蘭國立舞台服裝及編舞中心」。編舞家瑞琴‧蕭畢諾與「拉羅歇爾國家編舞中心」所屬之「大西洋芭蕾舞團－瑞琴‧蕭畢諾」（BARC），慷慨地將高堤耶於1983年至1994年間，為不同舞作所設計的服裝全部捐贈給上述兩個單位，目前為尚-保羅‧高堤耶最具代表性作品的寶庫。法國裝飾藝術博物館將這組高堤耶早期最具代表性的作品納入收藏後，並於2007年時為慶祝高堤耶30年的服飾創作生涯，規畫展出這一系列風格迥異的作品。

尚-保羅‧高堤耶，從未受過正式的服裝設計訓練，年輕時以自學的方式從生活週遭吸多樣的時尚養分。18歲時被皮爾‧卡登(Pierre Cardin)賞識而錄用為服裝助理，陸續與不同設計師、藝術家合作。1977年，高堤耶25歲時在巴黎舉辦生平第一場春夏服裝發表會，他驚世誇張的設計風格，對比元素與顏色錯置的視覺語法，矛盾中卻帶有詼諧趣味地挑戰社會對性別與裝扮的固舊概念。混搭民族風、內衣外穿、男女裝同體風貌等現在的流行趨勢，在二、三十年前，高堤耶即是這些運動的先驅者。

高堤耶與不同創作領域的合作案例，充分表露他的藝術天份，以及其欲打破所謂的標準與界限之強烈意圖。除了高級訂製服、時尚服裝的設計，他也擁有自我品牌的香水產品。他發行唱片、主持電視節目、籌畫展覽、設計流行音樂演唱會服飾，以及與多位電影導演合作設計依劇情的時空背景、故事情節而量身打造的戲服。其中最受國際注目並成為經典傳奇的，當屬於1990年為美國流行樂界歌手瑪丹娜 (Madonna) 所設計的尖錐胸罩外穿、束腰馬甲的表演服。

這些往後成為潮流的流行元素，早在80年代就出現在高堤耶與蕭畢諾合作的現代舞劇裡。蕭畢諾是法國當代編舞家、舞者、同時也從事短片與電影創作。她與高堤耶自1983年的「樂事」(Delices) 、1985年「服裝秀」(Le Défilé)、1988年「拳擊 K.O.K.」(K.O.K.) 、1990年的「安娜」(Ana) 到1994年的「巴哈獨舞」(Soli-Bach)共合作了12齣舞劇。其中「服裝秀」是由約20名舞者、演員與模特兒共同演出一場半時尚秀、半芭蕾舞的表演，宣告了當代舞蹈與時尚服裝進入的新時代。透過顛覆傳統、詼諧幽默的風格，高堤耶與蕭畢諾共同實驗革命了一場場「反服裝秀」的「反舞蹈」，高堤耶盡情地將他的誇飾、融合新舊、混合素材的觀念付諸舞台實現，同時也預告了未來10年至下一個世紀的流行符號，如馬甲連身裙、具雕塑感的蓬蓬裙、不合尺寸的罩衫、不對稱的剪裁、顏色區塊線條與圖騰運用、以及利用回收物件的堆砌組合等。

《幻羽舞影—時尚頑童高堤耶與編舞家蕭畢諾舞台服裝展》北美館同時規劃了相關週邊活動，鼓勵觀眾多加參與。包括5月29日由法國裝飾藝術博物館館長貝雅翠絲‧薩勒蒙(Béatrice Salmon)主講「幻羽舞影—從時尚頑童高堤耶談起」、7月份舉辦的「布搭布搭—舞台服裝設計體驗營」、多場演講座談、賞析導覽，以及為服務大型團體(兩百人以上)而特別設計的「手提箱美術館」，由專業導覽義工先行至已購票的預約機關單位作展覽介紹，俾利觀眾在來館參觀前對展覽有基本的了解與期待。

◎ 預購票資訊：
即日起至2010.05.28前，於全台灣7-11 i-bon推出買三送一之「四人套票」(全票；原價800元，特價600元)。

◎ 購票資訊：
票價：全票200元。學生個人票、30人以上團體票180元。
30人以上學生團體票150元。敬老票新台幣100元（65歲以上老人憑證購票）。
免票為115cm以下孩童、持身心障礙或殘障手冊者及其監護人或必要之陪伴者一人。
購票地點 (2010.05.29至08.15)：北美館、寬宏網路售票、7-11 i-bon、全家便利、萊爾富。
團購專線：02-2705-9929，駿騰創意行銷股份有限公司。

法國裝飾藝術博物館介紹Les Arts Décoratifs

裝飾藝術博物館是在一百五十多年前，由一群關注日常生活用品品質的收藏家、企業家及工藝家所設立，位處於巴黎里沃利（Rivoli）路上的羅浮宮內，以及杜樂麗（Tuileries）花園與皇家宮殿廣場間，是一座典藏工藝家與藝術家之天分才華的殿堂。裝飾藝術博物館為法國獨一無二的博物館，現在每年舉辦十幾個大型的特展、主題展或個展。

裝飾藝術博物館的收藏是世界最重要的典藏品之一，典藏品內容涵蓋中世紀至當今的家具、玻璃製品、瓷器、金工、珠寶、布料、時裝、圖案設計及廣告，不一而全。該博物館的特色之一是，以「斷代展示廳」的方式來呈現展品，真實地見證過去幾世紀以來的社會日常生活。裝飾博物館另一部份頂尖的藏品是尼辛‧德‧嘉蒙多（Nissim de Camondo）博物館的典藏，該館座落於蒙梭公園旁的一棟大宅院裡，藏品全都是十八世紀的裝飾藝術作品。

裝飾藝術博物館不僅經營管理前述兩座博物館，還包括一所學校 – 嘉蒙多學校，該校主要是培育室內建築師及設計師，一所擁有超過十六萬冊藏書的圖書館，藏書類別包含裝飾藝術、圖案設計藝術、建築、藝術史、園藝、服裝與時尚，針對年輕觀眾與成人所規劃的造形藝術與動畫的才藝教室，以及嘉胡塞爾（Carrousel）才藝教室。

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2003 榮榮（畫面人物：張洹等）前波畫廊

日前在台北當代藝術館結束個展的張洹長期以來合作的北京前波畫廊於2010年4月17日舉辦攝影作品群展《後新攝影》，集中展出中國先鋒攝影藝術家的作品。本展覽中同時可見這些藝術家的早期製作與近期新作的攝影作品。
 

本展覽分為兩部分。畫廊東廳將展出榮榮在九十年代早期創作的《東村》。毋庸置疑，這些作品已經成為當代藝術家形象的代表。2003年前波畫廊在紐約的空間曾經試圖展出此系列作品，但其中一部分攝有張洹肖像的作品礙於當時社會背景決定撤收。時至今日，前波畫廊很高興能藉此機會集中展出榮榮這部分有關張洹超乎尋常的神情恍惚的作品。
 

在此歷史背景下，畫廊西廳將展出一些成熟藝術家的近作，包括：洪磊、蔣志、顏磊、邱志傑、趙亮、鄭國谷、莊輝， 他們幾乎從同一時期開始進行創作並形成自己的風格。《後新攝影》將重溫中國攝影史近期的一些關鍵時刻，並闡述當時那些重要的藝術家是如何在國際舞台上進一步表現他們的創作能力。
 

本展覽的主題陳述了其他參展藝術家近期和榮榮的早期作品間的聯繫。特別向1996年至1998年間中國內地出版的珍貴雜誌《新攝影》表達敬意。這本是當時非常重要的地下攝影出版物，幾乎像一些粉絲雜誌一樣被眾人複印。前波畫廊此次展出的藝術家都在15年前的《新攝影》雜誌中發表過作品。
 

最後一期《新攝影》雜誌北京發行後已十多年餘，北京三影堂攝影藝術中心和前波畫廊，在07年又出版了一本該雜誌有藝術家訪談和評論家文章的限量復刻本。這本具有高度收藏價值的復刻本也將特別呈現在本展覽中。
 
 
 

 
 

 
 

 
 
時間: 2010.4/17~5/24
地點： 前波畫廊
（北京市朝陽區草場地紅一號D座 郵編 100015）

（北京/STIR News•狠攪社®）

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第66屆威尼斯電影獎最佳導演銀獅獎得主席琳夏奈（Shirin NESHAT）的【沒有男人，女人更美】

國際青年導演獎是台北電影節針對新銳導演所設的獎項。參賽必須為導演的第一或第二部作品，今年國際青年導演獎入選片，來自喬治亞、伊拉克、伊朗、以色列、挪威、丹麥、日、韓、澳、紐 等等國家。

入選影片中有多部在各國際影展已備受矚目與肯定。例如得到威尼斯影展最佳導演獎的《沒有男人，女人更美》(Women Without Men)，是伊朗知名影像藝術家詩琳‧娜夏特(Shirin NESHAT)的首部劇情長片。意象鮮明的闡述舊時代女性處境，對照著紛爭不安的伊朗政權，畫面的藝術性與質感令人驚艷。導演瑪格莉特‧科克瑞(Margaret CORKERY)所拍的《親親小鬼頭》(Eamon)，則獲得卡羅維瓦利影展最佳獨立製片。導演潔達‧貝葛洛特(Zaida BERGROTH)的親情悲劇《破碎的秘密》(Last Cowboy Standing)，是獲得釜山影展Flash Forward單元大獎的佳作。

此外，丹麥導演麥可‧諾亞(Michael NOER)與托比亞斯‧林賀姆(Tobias LINDHOLM)所拍，宛如《大獄言家》般的作品《R》，今年甫獲得哥特堡影展的最佳影片獎。紐西蘭導演塔伊加‧維迪提(Taika WAITITI)的作品《我的爸爸是麥可》(Boy)以麥可傑克森經典MV為電影主軸，日前榮獲柏林影展德國兒童評審大獎的肯定。《最後的逃亡》(Last Ride)是改編自澳洲文學大獎小說，並請來《魔戒》、《駭客任務》的澳洲影帝雨果威明主演，他演一個有暴力前科的父親，帶著兒子逃亡，父子兩人的關係時而溫馨、時而緊繃。
 

荒島‧愛以當今《宅》流文化為出發的可愛喜劇

另一部講述宅男宅女的電影，是南韓導演李海準(Hey-jun Lee)導的溫馨喜劇《荒島‧愛》(Castaway on the Moon)。一個男子因為負債想跳漢江自殺，但卻飄到了中央荒島，變成都市版的《浩劫重生》；一個三年沒出過家門的女子，每天仰望天空拍月亮，並靠著網路架構虛擬人生。兩個人因為炸醬麵而開始有了奇怪的互動，兩個人如同外星人接觸般展開和世界的連結，是一部荒謬又感傷的都市情畫，導演以輕鬆歡笑的方式，探討宅流的另一種互動，許多橋段也令人噴飯。
 

最後的逃亡，為《魔戒》、《駭客任務》的演員雨果威明主演

除了各國新銳導演入選佳作，國片表現也很亮眼。去年曾榮獲國際青年導演競賽「評審團特別獎」的導演鍾孟宏，今年再度以《第四張畫》同時入選台北電影獎及國際青年導演競賽片，另更將於台北電影節開幕時世界首映。《台北星期天》則是導演何蔚庭大膽選用外勞為題，由他們的眼中看見台北各種荒謬趣事，好評不斷，也將是這次競賽不可輕忽的作品。

國際青年導演競賽頒獎典禮將於七月二日舉行，屆時各國入選競賽片的導演都將抵台與台灣影迷見面，並將於電影放映後跟大家交流互動，影迷們千萬不要錯過。

（台北/STIR News•狠攪社®）

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《對立 II》壓克力 墨水筆 手工娃娃 畫布、130x97cm 2010（形而上畫廊提供）

人生是場熱情的遊戲，好像在玩電動遊戲。在韓國藝術家姜錫鉉的新作裡，你會看到，怪物骷顱頭的圖像裡，還有不一樣的影像，說故事者的臉會和怪物的圖像重疊在一起，好像說故事的人陷在瞬息萬變，懸疑緊張的情境裡，一個不小心就被打倒。然而，我們總是可以鼓起勇氣，讓遊戲重新開始，讓人生重來一遍。人們的生活跟那些遊戲很類似，在生活的當下，跌跌撞撞是再自然不過的，然而我們可以從錯誤中學習，隨時再來一次，然後讓人生再更上一層樓。

在Eddie Bear的展覽，畫家想要表達生活的必然現象，特別是身處於大城市裡，緊張而擁擠是生活的代名詞。擁擠的慾望，擁擠的人群，擁擠的想像，擁擠的孤獨，甚至連快樂與悲傷都顯得很擁擠，擁擠的在擁擠的空間活著。也會擁擠的面臨許多社會上的阻礙和你來我往的人際關係。畫作背景的機器人代表著阻礙和壓力，是我們每天與之共存的自然。類似氣球的形體，稱之為飄浮，代表那些似乎被社會規範和原則限制住的人，天真爛漫地在社會的表層隨波逐流。畫面中間是主要的角色，每幅畫的主角長得都不一樣，但都是深藏在每個人內心裡的那隻熊。它們象徵正在觀賞這幅畫的畫家或其他任何一個人，就好像藝術家嘗試透過自己去反思其他人的生活。

《我心中的熊III》壓克力 墨水筆 施華洛世奇水晶 畫布、130x97cm 2010（形而上畫廊提供）

繪畫性，是姜錫鉉作品裡最重要的特質，色彩、線條、肌理和畫面的質感，都是他精益求精的追求，即使他的雕塑作品，表層也是精心繪製的繪畫成果。姜錫鉉絕對無法忍受交由他人代工的效果，所有細節必需由他自己動手，精心完成。因此他的雕塑至多只有二、三個版本，因為他的雕塑就像繪畫一樣，每一件都具有完整的內容和性格，以及全心投射的情感。

是一個延續性說故事的過程，既有角色設定，也有內容腳本，姜錫鉉以虛擬的各種角色來描寫都會人生各種況味，過程就像在拍一部動畫片一樣。目前已經發展出的娃娃角色有：一頭叫做「無愛（Loveless）」的狗，一個叫做「巫(Voo)」的巫術娃娃，一個叫做「抹布(Rag) 」娃娃，一頭長了尖牙的黃色兔子叫「凱比特(Cabbit) 」，一頭叫「呆呆(Moony) 」的白色兔子，一頭叫做「泡泡(Bubble) 」的粉紅熊，一頭叫做「極地(Polar) 」的紫色熊，一頭叫做「歐尼B(Oni-B) 」的怪熊，一個叫做「說書人(Storyteller)」的小丑，一個叫做「力量(Force)」的機器人，一個叫做「魯莽(Reckless)」的氣球，一頭叫做「迷失(Loss)」的貓，一頭叫做「龐斯(Pams) 」的貓熊，一頭叫做「果凍(Jelly)」的水母，然後那一頭叫做「Eddie」的猴子，其實是就是影射他自己。

《張力 II》壓克力 墨水筆 手工娃娃 畫布、130x97cm 2010（形而上畫廊提供）

在姜錫鉉的繪畫和雕塑裡，這些有趣的角色排列組合演出人生中各式各樣的遭遇，而且不斷有新的角色加入故事衍生的新陣容，好像是一場永無結局的人生劇院，千變萬化，是對於未來無法預測的無盡想像。他所設定的各種角色看起來像玩具娃娃，仔細去觀察它們都具有人的情感的表現，各種喜怒哀樂的表情，憂愁或驚恐，都不是玩偶世界所能體會的。姜錫鉉以擬人化的玩偶來隱喻人生中無可奈何的被動性，自以為是主人翁的生活，實際上處處受到包圍、牽連、掣肘，往往是無法獨立自主的現實人生。

時間: 2010.3/20~4/18
地點： 形而上畫廊
（台北市敦化南路一段219號7樓）
開幕時間：2010.3/20 (六) 15:00-17:00
開幕表演：2010.3/20 3:30pm特別邀請 輕饒舌歌手蛋堡 現場嘻哈演唱展覽主題曲 「關於小熊—Eddie Bear」
 
 
 

（台北/STIR News•狠攪社®）

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王建揚《Bon Appetite》32x21英吋 2009 (王建揚）

王建揚（1981～）繼2009年Px3與GEISAI台灣獎項的榮譽洗禮後，廣受媒體與當代攝影藝術各界關注。2010年初他繼續以個人攝影藝術創作《illuminator發光體》系列打進日本攝影藝術市場，榮獲日本寫真家協會2010年JPS展優秀獎殊榮。以初生之犢不畏虎的姿態，代表台灣一舉擊退兩千多位優秀專業攝影家，以絕無僅有的外國人身分名列該協會2010年展代表前茅。王建揚甫於上周日受邀參加日本東京GEISAI #14藝術祭台灣特展，作品深獲入場日本觀眾的讚嘆與激賞，更為他在攝影藝術創作的過程中立下嶄新的扉頁。

王建揚《Drowned in Fantasy》32x21英吋 2009 (王建揚）

王建揚《First Love》32x21英吋 2009 (王建揚）

王建揚完全打破當代人體攝影相等於情色與肢體肌肉呈現的印象，大學古典美術出身的他對於藝術的表現存在於藝術家本身的精神性的態度與認真，更是推翻國內攝影界普遍以追求硬體技巧與畫面結構的顯像技術為重的刻板印象。王建揚的出現激發當代攝影界力求人體藝術表現與人文意涵的濫觴，更是一股重要風潮的宣示。自去年在日本當代卡漫教父村上隆舉辦的GEISAI TAIWAN成功推出個人生平首要藝術主體【宅】，短短一天展期即吸引了兩萬位觀賞者湧進展位欣賞，王建揚獨特創新的人體攝影美學更讓日本美學居家雜誌 Casa Brutus總編輯龜井誠一讚譽有加，一舉拿下2009年GEISAI TAIWAN評審特別大奬之殊榮。【宅】的成功引發了當代攝影藝術界當中的多方討論與關注，隨即受邀參加去年底在六福皇宮舉辦2009 PHOTO TAIPEI國際攝影藝術博覽會，深獲歐美代表藝廊好評，國外展覽現正積極策劃中。

王建揚《Fansy Christmas》32x21英吋 2009 (王建揚）

《illuminator 發光體》是主體【宅】之中的一組相當完整並且饒富深意的子系列。王建揚突破過往舞蹈攝影的專業背景，企圖以擺放人體與場域間的互動交流營造出瞬間的情緒氛圍。利用慶祝歡愉節日才會登場的聖誕燈營造遊戲與夢想的意味表現，將人體與畫面脈絡彼此連結整合用以敘述每一個人心裡都有的故事。作品中的人物表情在鏡頭底下細膩呈現，帶著一抹浅浅微笑與朦朧眼神，不經意地自然輕瞥，觀賞者在畫面中體會攝影家與模特兒之間絕對的信賴與不帶猶疑的態度。攝影家在規劃作品之初，刻意避開經驗豐富的寫真女模，改以選擇素人女性當作整體對象來進行拍攝，這樣清新風格與對作品呈現的堅持讓王建揚經歷了相當困難，甚至無法順利進行拍攝的窘境。然而,即使遇到再多挫折也未曾動搖過的決心更是王建揚此次作品珍貴之處。

人體何以發光？每個人在成長的過程中勢必有一塊隱藏在心裡的回憶。安靜無聲也從未刻意彰顯卻在每每回憶起來後就像喝了一杯道地的曼特寧咖啡，第一口舌尖的苦澀在味蕾上彈跳，五味雜陳的反覆紛擾，飲盡後的下一秒鐘從喉間回甘，氣味瞬間回音瀰漫，只有自己能體會感受那一份悸動。王建揚的《illuminator 發光體》就在聖誕燈綑綁人體的負荷與愉悅中企圖表達一種經歷過後才能懂得回甘美好，每一張畫面的情緒張力由人物心裡出發，就在穿透表面潛進最深層的瞬間，人體就只為維持那一兩秒的悸動而發光。攝影家也在這樣的系列脈絡中提出對眼光只存在虛浮表象的人也許一輩子也未曾有發光體驗的批判。

王建揚《Marry Christmas》32x21英吋 2009 (王建揚）

2010 年JPS展 一共有2,195位攝影家響應報名，共計7,058件攝影作品角逐參展資格。經過1個月時間的審查過程，日前決定出一位金獎、兩位銀獎、三位銅獎、五位獎勵獎、二十位優秀獎與百餘佳作。發光體作品將伴隨日本寫真家攝影協會2010年JPS展開始巡迴日本四大城市。首先開幕展於五月二十二日假日本攝影藝術界最具權威性的東京都寫真美術館開跑。

王建揚《illuminator發光體》目前正在台北Big Apple Bar & Grill（台北市大安區延吉街138巷4號）進行展出。展覽期間至本週末3月21日為止。

（台北／STIR News•狠攪社®）

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